George Stevens

George Stevens, cineasta conocido como un meticuloso artesano con un ojo brillante para la composición y un sensible al tacto con actores, es uno de los grandes cineastas estadounidenses, ranking con John Ford, William Wyler y Howard Hawks como creador de cine clásico de Hollywood, trayendo a los mundos mytho-poético de pantalla que también fueron entretenimiento masivo. Uno de los más honrados y respetados directores en la historia de Hollywood, Stevens disfrutaron de un gran grado de independencia de los estudios, produciendo la mayor parte de sus películas después de entrar en su propio como director en la década de 1930. Aunque su obra se extendieron a través de todos los géneros, incluyendo comedias, comedias musicales y dramas, todo lo que hizo llevaron el sello de su visión personal, que se basa en el humanismo.

Aunque el cine es un proceso industrial que hace que las atribuciones de difícil que si no francamente ridículo (a pesar de las garantías contractuales en los contratos negociados Directors Guild of America), cabe duda de George Stevens ' autoría' tiene el control de un cuadro de George Stevens. Aunque él injustamente fue ridiculizado por los críticos de la década de 1960 por no ser un 'autor', un autor es de verdad, para una características cuadro Stevens una atención meticulosa a los detalles, la explotación exhaustiva de posibilidades visuales de una escena e ingenioso e innovador de edición crea muchas capas de significados. Una foto de Stevens contiene convincentes actuaciones de actores cuyas interacciones tienen una profundidad y una intimidad rara en imágenes en movimiento. Una foto de Stevens típicamente totalmente está comprometida con la sociedad americana y es un photoplay crónica de la búsqueda del sueño americano.

George Stevens fue nominado cinco veces al Oscar como mejor Director, ganando dos veces, y seis de las películas que produjo y dirigió fueron nominados para mejor película Oscars. En 1953 fue el destinatario de la Irving Thalberg Memorial Award para mantener un nivel constante de producción de alta calidad. Se desempeñó como Presidente de la Academy of Motion Picture Arts & Sciences de 1958 a 1959. Stevens ganaron directores del gremio de América Premio al mejor Director tres veces, así como el premio D.W. Griffith. Hizo cinco clásicos indiscutibles: En alas de la danza (1936), un Fred Astaire - Ginger Rogers musical; Gunga Din (1939), una película de aventura emocionante; La mujer del año (1942), una comedia de batalla-de-la-sexos; Un lugar en el sol (1951), un drama que abrió nuevos caminos en el uso de primeros planos y edición; y Raíces profundas (1953), una destilación de cada cliché occidental que lograron ambos suma y trascender el género. Su Serenata nostálgica (1941), El asunto del día (1942), El amor llamó dos veces (1943), Nunca la olvidaré (1948) y Gigante (1956) todos viven en la primera fila de la cinematografía.

Cooper George Stevens nació el 18 de diciembre de 1904, en Oakland, California, al actor Landers Stevens y su esposa, la actriz Georgie Cooper, que dirigió su propia compañía teatral en Oakland, Ye libertad Playhouse. Cooper ella era la hija de una actriz, Georgia Woodthorpe (nombres cristianos ambas señoras del escenario fueron Georgia, aunque sus nombres artísticos fueron Georgie). Georgie Cooper apareció como Little Lord Fauntleroy como un niño junto con su madre en Burbank teatro Los Angeles. Compañía de los padres de George realizada en el área de la bahía de San Francisco, y como los artistas individuales también viajaron la costa oeste como vaudevillians en el circuito de Opheum. Su repertorio teatral incluye los clásicos, dando la oportunidad de forjar una comprensión de la estructura dramática y lo que funciona con una audiencia al joven George. En 1922 los padres Stevens abandonado teatro en vivo y se mudó a su familia, que constaba de George y su hermano mayor John Stevens Landers (más tarde a ser conocido como Jack Stevens), sur a Glendale, California, para encontrar trabajo en la industria del cine.

Ambos padres Stevens ganaron un empleo estable como actores de películas. Landers aparecieron en Hampa dorada (1931), El enemigo público (1931) y Ciudadano Kane (1941) en piezas pequeñas. Su hermano fue crítico de teatro Chicago Herald-americano Ashton Stevens (1872-1951), quien fue contratado por William Randolph Hearst para su examinador de San Francisco después de Ashton le había enseñado cómo tocar el banjo. Un entrevistador de estrellas de cine y una notable man about town, Ashton mentor del joven Orson Welles, quien basado en el personaje de Jedediah Leland en Ciudadano Kane (1941) sobre él. Hermana de Georgie Cooper Olive Cooper se convirtió en guionista tras un corto periodo como actriz. Jack se convirtió en un cámara de cine, como lo hizo su segundo hijo.

Adaptación de la película de Stevens de "I Remember Mama", la crónica de una familia inmigrante noruego tratando de asimilar en San Francisco alrededor de 1910, podría ser un espejo de la familia Stevens propio mudarse a Los Ángeles alrededor de 1922. En 'Mama', los miembros de la familia Hanson ganas de forasteros, un tema que resuena en toda obra de Stevens. Actuar era considerado una profesión insalubre antes del surgimiento de la generación de Reagan de actores en los pasillos del poder, y ser miembro de una familia de actuar necesariamente había marcada como un forastero en la primera mitad del siglo XX. George Young tuvo que abandonar la high School secundaria a su padre a sus actuación las audiciones, que habría mejorado aún más su sentido de ser independiente. Para compensar su falta de educación formal, Stevens estrechamente estudiaron teatro, la literatura y el medio que emergía de la película.

Poco después de llegar a Hollywood, la Stevens 17 años consiguió un trabajo en el Hal Roach Studios como un ayudante de cámara; era una cuestión de estar en el lugar correcto en el momento oportuno. De ese período, cuando el cine era joven, recordó Stevens, ' no había uniones, así que era posible llegar a ser un ayudante de cámara si llegaste a averiguar sólo cuando ellos comenzaban una foto. No había ninguna organización; Si un cámara no tiene un asistente, no sabía dónde encontrar uno.'

Como parte de la compañía de Hal Roach, Stevens aprendieron el arte de la narración visual mientras que todavía se estaba desarrollando la forma. Parte de su educación visual supuso el rodaje de westerns de bajo presupuesto, algunos de los cuales aparece a Rex el caballo me pregunto. Dentro de dos años Stevens se convirtió en un director de fotografía y un escritor de gags para cucarachas en las comedias de Stan Laurel y Oliver Hardy.

Primero su había acreditada trabajo como camarógrafo en los estudios de Roach fue para el África más corto de Laurel & Hardy (1923). Stevens era un camarógrafo fantástico, en particular en las comedias de Laurel & Hardy (silencioso y talkies), y era como un camarógrafo que su estética comenzó a desarrollar. El cine de George Stevens fue arraigado en humanismo, y se centró en los detalles y comportamiento que dilucidar el carácter y las relaciones. Esta estética comenzó a desarrollar en las comedias de Laurel & Hardy, donde él aprendió acerca de la interacción de las relaciones entre 'quien ha mirado' y 'el que hace la mirada'. Verosimilitud, siempre un sello distintivo de un cuadro de Stevens, también era parte del Laurel y Hardy currículos; Oliver Hardy una vez dijo: 'hicimos un montón de cosas locas en nuestras fotos, pero siempre fuimos reales'.

De un camarógrafo de iluminación, Stevens avanzan a un director de cortometrajes de Roach en el Universal. Dentro de un año de trasladarse a RKO en 1933, empezó a dirigir características de comedia. Su oportunidad llegó en 1935 en RKO, cuando diva casa Katharine Hepburn eligió Stevens como el director de los Sueños de juventud (1935). Basada en una novela de Booth Tarkington acerca de una mujer joven de la clase media baja que se atreve a soñar en grande, la película inyecta el tema de la aspiración de la clase y las frustraciones de la búsqueda de la felicidad mientras soñando el sueño americano en la obra de Stevens. Antes había cine de 'foráneos' reconocidas a finales de 1970, eran forasteros Stevens, luchando contra su atomización y la alienación a través de sus interacciones con otras personas no siempre exitosos.

Stevens crean su primer clásico en 1936, cuando RKO le asignó al timón del sexto musical de Astaire-Rogers, En alas de la danza (1936). Pasado Stevens como camarógrafo iluminación preparado para los efectos visuales innovadores de esta comedia musical. A través de su control del campo de visión de la cámara, Stevens como director crea una atmósfera que engendra efectos emocionales en su audiencia. En una escena Astaire abre una puerta espejada que reflejo de la escena en la actualidad está siendo filmada en, y ser introducido en la ilusión emocionalmente introduce al público en la imagen, en contrapunto astuto al paseo de Buster Keaton en la pantalla en su Sherlock, Jr. (1924) . Uso de Stevens de la luz en "Swing Time" es audaz. Introduce libremente luz en escenas, con el efecto que anima a ellos y le da una 'luz' toquen, tales como la escena final donde 'sol' estalla sobre el telón de fondo pintado. La película nunca se arrastra y es un escaparate brillante para el equipo de baile. Rogers dijo que era su favorito de todos sus cuadros con Astaire.

Clásico siguiente Stevens era el hilado aventura apabullante Gunga Din (1939), basado en el poema de Rudyard Kipling. Aunque ya no políticamente correcto en el siglo XXI, el cuadro todavía trabaja en términos de acción y poder estelar, como tres británicos sargentos--Cary Grant, Victor McLaglen y Douglas Fairbanks Jr., tratar de bajar un alboroto por un culto a la muerte notoria en la India colonial del siglo XIX.

Después de haber aprendido su oficio en el ambiente de improvisación de películas mudas, Stevens que a menudo ala, disparando desde un guión subdesarrollado que hubo en el flujo, encontrar la película que filmó y lo editó. Con cine encareciendo cada vez más en los años 30 debido a la inclinación de los estudios para hacer películas en una escala más vasto que tenían anteriormente, métodos Stevens condujeron a la ansiedad de los contadores en la sede de RKO. Su elaboración de improvisación de 'Gunga Din' resultó en plan de rodaje de la película casi el doble de 64 a 124 días, con su costo alcanzando una increíble entonces $ 2 millones (pocas películas sonidas habían recaudado más de $ 5 millones hasta ese punto y un cuadro debía bruto de dos a 2-1/2 veces su costo negativo para romper incluso).

Ejecutivos de los estudios fueron conducidos hasta la saciedad por métodos de Stevens como su tomando casi un año para editar las imágenes que le disparó para 'Shane'. Sus películas eran típicamente exitosos, sin embargo y en la década de 1930 se convirtió en su propio productor, lo que le valió una mayor latitud que disfrutaron por prácticamente cualquier otro cineasta con la obvia excepción de DeMille y Frank Capra. Hizo tres comedias significativas en los años 40 tempranos: La mujer del año (1942), el tono más oscuro en El asunto del día (1942) (una película que toca el tema de los derechos civiles y la justicia) y El amor llamó dos veces (1943) antes de salir a la guerra.

Formar parte del ejército de señal, Stevens dirigió una unidad de combate película de 1944 a 1946. Además de filmar el desembarco de Normandía, su unidad de disparo tanto la liberación de París y la liberación del campo de exterminio Nazi Dachau y metraje de su unidad fue utilizada como evidencia en los juicios de Nuremberg y en el programa de desnazificación después de la guerra. Stevens fue galardonado con la Legión de mérito por sus servicios. Muchos críticos afirman que el tono sombrío, profundamente personal de las películas que hizo cuando regresó de la II guerra mundial fueron el resultado de los horrores que vio durante la guerra. Primera mujer Stevens, Yvonne, recordó que le ' era un hombre muy sensible. Nunca soñó, estoy seguro, lo que estaba metiendo cuando se alistó.' Stevens escribieron una carta a Yvonne en 1945, diciéndole que "si no hubiera sido por sus cartas... no habría nada que pensar alegremente, porque sabes que mucho de esto me parece difícil creer en fundamentalmente.'

Las imágenes de guerra y Dachau siguieron acosando a Stevens, pero también engendró en él la creencia de que fotos de movimiento tenía que ser socialmente significativa de valor. Junto a sus compañeros veteranos de transmisiones Frank Capra y William Wyler, Stevens fundaron Liberty Films para producir su visión de la condición humana. El remanente importante de su obra antes de la guerra a sus películas de la posguerra es que el afecto el director tiene para sus personajes centrales, emblemáticos de su humanismo.

Película de la segunda posguerra de Stevens, Un lugar en el sol (1951), fue su adaptación de 'An American Tragedy,' de Theodore Dreiser actualizado a la América contemporánea. Publicado tres años después de su película familiar Nunca la olvidaré (1948), cuenta con un forastero, George Eastman, atrapado en la red del sueño americano, la persecución de la que lo condena. Sergei M. Eisenstein había escrito una adaptación para Paramount de "An American Tragedy' (el título una revocación astuto de 'El sueño americano'), pero la participación en el proyecto de Eisenstein fue lanzada cuando el estudio fue atacada por los políticos de derecha y organizaciones para la contratación de un 'comunista' y el gobierno de Estados Unidos deportaron a Eisenstein poco después. Su guión fue abandonado sin contemplaciones y Josef von Sternberg finalmente hizo la foto, pero su visión estaba tan lejos de Dreiser que el viejo león literario demandó al estudio. La película fue cortar y resultó ser un fracaso tanto de crítico y taquilla.

Alfred Hitchcock mantuvo que era mucho más fácil hacer una buena foto de un drama mediocre o malo o libro que era de un buen trabajo o una obra maestra. Permanecía para que George Stevens convertir una obra maestra literaria en una versión cinematográfica--un truco único en Hollywood. Lo revolucionario sobre "Un lugar en el sol," en términos de técnica, es uso de Stevens de primeros planos. Charlton Heston ha señalado que nunca nadie había usado primeros planos que la forma Stevens tuvo en la imagen. Los más frecuentemente de lo que fue la norma alrededor de 1950 y él utilizaron primeros planos extremos que, cuando se combina con su innovador, lento-disolver edición, creó su propia atmósfera, su propio mundo que llevó al público a un mundo de George Eastman, incluso en su abrazo con la chica de sus sueños y también en el bote de remos en ese fatídico día que por siempre cambiaría su vida usó. La edición técnica de lento-traslapar disuelve tiempo más lento y había alargado el tempo de una escena de una manera nunca antes visto en pantalla.

Maestría Stevens sobre el arte de la película fue reconocido con el primer premio de la Academia para la dirección, superando a Elia Kazan para esa obra maestra del director, Un tranvía llamado deseo (1951) y Stanley Donen y Gene Kelly para su obra maestra, Un americano en París (1951), para el ganador de la mejor foto Oscar ese año (mayoría de los observadores había esperado 'Sol' o 'Tranvía' para ganar, pero tenían dividir el voto y permitido 'Americano' en la nariz les hacia fuera en la línea de meta. Departamento de publicidad de la MGM reconocida tanto cuando funcionó un anuncio en el post-Oscar con Leo el León con la copia que comenzó, ' estaba de pie en el sol esperando un tranvía cuando... ').

Tema de Stevens del forastero continuó con su próximo clásico, Raíces profundas (1953). El pistolero homónimo es una extraña, pero así es la familia Starrett que ha decidido defender, como son los 'sodbusters' y ni siquiera el barón de gama que está ahora fuera de su tiempo, fuera de su comunidad y fuera de la decencia humana. Gigante (1956), epopeya de tres horas extensa Stevens basada en la novela de Edna Ferber de Texas, también cuenta con los forasteros: hermana Luz Benedicto, contrató a mano transformado en petrolero millonario Jett Rink, trasplantado belle Tidewater Leslie Benedict, sus dos hijos rebeldes y eventualmente su esposo Bick Benedict, un tejano cerca de estereotipos que finalmente los pasos fuera de su estrechez y se transforma en un extraño cuando se decide a luchar, físicamente, contra la discriminación contra los Latinos como una cuestión de honor. La familia de Otto Frank y sus compatriotas en la clandestinidad en El diario de Ana Frank (1959), primera película del cine americano para lidiar con el Holocausto, son extranjeros, mientras que Cristo en su La historia más grande jamás contada (1965)--sutil, complejo y desconocido - es el último forastero. El único juego de la ciudad (1970)--última película Stevens con Elizabeth Taylor, su protagonista femenina en 'Un lugar en el sol' y 'Gigante'--fue por dos desconocidos, una corista de envejecimiento y un jugador mezquino.

Reputación de Stevens sufrió después de la década de 1950, y no hizo otra película hasta la mitad en los años 60. La película producir después largo paréntesis fue entendido mal e infravalorada cuando fue lanzado. La historia más grande jamás contada (1965), una película sobre el Ministerio y la pasión de Cristo, fue una de las últimas películas épicas. Fue denostada por la crítica y fracasó en la taquilla. Fue en esta foto que método improvisación Stevens comenzó a tomar un peaje en él. Tardó seis años desde el lanzamiento de 'Anne Frank,' que tenía obtuvo nominaciones a los Oscar por mejor película y mejor Director, hasta el lanzamiento de 'Greatest Story'. Hubo un largo período de gestación de la película y fue reconocido como una sesión difícil, tanto que David Lean ayudó a un hombre lo consideran un maestro rodando algunas escenas auxiliares para el cuadro. La película tiene una mirada de inmensidad que muchos críticos malentendidos como vacío en lugar de un correlato visual del alma. Guión Stevens está inspirado en los tres Evangelios sinópticos, particularmente el Evangelio según San Juan. John subraya a la relación interior entre el yo y las cosas más allá de su conocimiento. Aunque incomprendido por la crítica en el momento de su lanzamiento, la película se ha convertido en más apreciada unos 40 años más tarde. Stevens es un maestro del cine, y completamente en comando del disuelve y emotivo uso del sonido utiliza tan eficazmente en 'Un lugar en el sol'.

Su última película, El único juego de la ciudad (1970), también no fue un éxito de taquilla o crítico, como estrella de Elizabeth Taylor había ido en declive escarpado como la década de 1970 amaneció. Frank Sinatra había sido originalmente programado para ser su coprotagonista, pero ol ' Blue Eyes, notorio para preferir una toma directores, probablemente tenía dudas acerca de estar en una película dirigida por Stevens, quien tenían fama (merecida) de tomas múltiples. Su cine método conllevaba tome disparos después de tomar de una escena durante la fotografía principal desde todos los ángulos imaginables y de múltiples puntos focales, así tendría una plétora de opciones en la sala de edición, que es donde hizo sus películas (a diferencia de John Ford, famoso por su falta de cobertura, que tenía una reputación de 'editar' en la cámara, disparando sólo lo que él creía necesario para una película). Warren Beatty, típicamente decepcionante en películas en las que no estaba en control, demostró ser un pobre sustituto de Sinatra, y la película se hundieron grandes cuando fue lanzado, más empañar la reputación de Stevens.

En una cultura dominada por dinero en la que el espíritu de 'Lo que tienen que hacer para Me últimamente?' es prominente, que George Stevens fue relegado a Estado fracasado y el hecho de que él mismo había establecido como uno de los grandes del cine norteamericano fue ignorada, luego olvidado en conjunto en la cultura popular. Biografía de Donald Richie 1984 ' George Stevens: An American romántico ' etiquetas Stevens con la palabra 'R', pero es demasiado simplista una generalización para un artista tan complicado. Películas Stevens exigen que el público permanecerán en el momento y absorbe todos los detalles en oferta para entender completamente la obra de moralidad que dice. James Agee había sido un gran admirador de Stevens el director, pero Agee murió en la década de 1950 y 1960 fue una nueva era, una era iconoclasta y George Stevens y el cine clásico de Hollywood era un maestro de eran considerados iconos para ser aplastado. Crítico de cine Andrew Sarris, que introdujo la teoría de 'autor' a Estados Unidos, faltó al respeto a Stevens en su libro de 1968 "El cine americano". Stevens no era un autor, Sarris escribió, y sus últimas películas fueron grandes y vacías. Se convirtió en el símbolo de la nueva, cine auteurist estaba en contra.

Los críticos de Cahiers du Cinema atacaron a Stevens por elevación Douglas Sirk. Obsesión de Sirk (1954), fue el argumento, era una exégesis mucho mejor y más convincente de América que 'Gigante', que fue 'grande y vacía' como fue el país atacaron (aunque amaban sus películas). El punto de iconoclastia es destruir los ídolos, no importa lo que la razón--y Stevens, el maestro artesano, era un ídolo. Sin embargo, decir 'Gigante' estaba vacía es absurdo. Dar a entender que George Stevens no entendió que América es igualmente absurdo. 'Gigante' contiene lo que podría decirse que es el momento principal en el cine de América de la inmediata posguerra, y es un momento 'Americano'--el enfrentamiento entre Patricio ranchero Bick Benedict y propietario del restaurante Sarge (Robert J. Wilke). Muchos críticos e historiadores de cine han comentado en la escena, favorablemente, pero muchos extraño la importación completa de él.

La película ha sido construida para este clímax. Benedicto ha compartido los prejuicios de su clase y su carrera. Toda su vida ha explotado a los mexicanos que ha vivido con una relación simbiótica en su rancho, dando poco a la injusticia que ha forjado su clase de señores feudales en los Latinos, en blancos pobres o en su propia familia. Su esposa, del este, está consternada por la pobreza y el estado de peonaje de los mexicanos que trabajan en el rancho y trata de hacer algo al respecto. Su idealismo se hace eco en su hijo, que se convierte en un médico, rechaza el patrimonio ganadero de su padre y se casa con una mujer México-americana, dando a su padre un nieto Anglo/México-americana.

Mientras que en un viaje con su esposa, hija, nuera y su nieto, paran en un restaurante de la carretera. Sargento, el propietario, inicialmente se niega a servir a causa de los Latinos en su partido. Respalda, pero cuando más Latinos entren en su restaurante, se traslada a echarlos. Benedicto decide intervenir en una exhibición de noblesse oblige y también fuera de servicio familiar. Sargento se impresionan por pedigrí de Benedicto XVI y una pelea entre el veterano endurecido--acaba de regresar de la guerra, estamos destinados a entender--y ahora de Benedicto. Bick primero tiene su propia y sargento se estrella en la rockola, desencadenando la canción 'La rosa amarilla de Texas' mientras él se recupera y luego se propone para demoler sistemáticamente el Sr. Bick Benedict, el soberano. Como la canción juega en contrapunto irónico, tiros de su perturbada hija y otros miembros de la familia son socavar con la crucifixión cinematográfica de Bick Benedict, el soberano, por el antiguo Centurión. Después sargento terminó golpeando Benedict, toma una muestra de la pared y lanza en el cuerpo postrado de Benedicto XVI: 'la dirección reserva el derecho de rechazar prestar el servicio a nadie'. Esto no es Estados Unidos en la década de 1950, sólo América del siglo XXI. Para tal como sargento está defendiendo el racismo, también defiende su derecho constitucional una vez a la libre asociación, así como ejercer su creencia en la democracia Jefferson-Jacksonian golpeando a un plutócrata. Este es un tipo de yahooism que Bruce Catton, en su historia ganadora del premio Pulitzer de la Guerra Civil, atribuido a la rebelión. Siempre había habido una cepa muy bien desarrollada de violencia imprudente e individualista en América, con frecuencia alentó, ritualizada y santificados por el estado. La escena del restaurante en 'gigante' sólo han sido creado por un hombre con un profundo conocimiento de lo que América y los americanos eran (y siguen siendo). Sargento intentará dar cabida a Benedicto XVI, quien ha salido de su papel como plutócrata racista en que de paternalista pater-familias, así como los hijos de los barones del robo del siglo XIX, quien justificó sus depravaciones económicas con la doctrina del darwinismo social--en el siglo XX, dotando de fundaciones que trataron de derecho hay muchas injusticias, incluyendo el racismo, pero el sargento sólo llegará tan lejos. Cuando él se estira más allá de su límite, cuando su entrega es entonces 'empujado demasiado lejos', él reacciona y reacciona violentamente.

Esta escena resume la democracia americana y la condición humana en Estados Unidos tal vez mejor que cualquier otro. Estados Unidos es una sociedad violenta, una sociedad de gladiador, en la que progreso es medido en, si no ganó, por la violencia. Sí, sargento está parado para el racismo y la segregación (un tema enorme después de 1954 Brown v. Board of Education Tribunal Supremo proscriben la segregación), pero también está parado para arriba para sí mismo y sus creencias, algo ha recientemente defendió en la II guerra mundial. Las ironías son ricas, así como la ironía de la democracia estadounidense, que excluía a los afroamericanos, las mujeres y las tribus americanas nativas desde los primeros días de la constitución estadounidense, es rica. Esto es América, dice que la escena en la cafetería del Sargento, y es una crítica que podría crear sólo un americano con un profundo conocimiento de y simpatía para América. Es mucho más eficaz y filosófico verdadero que las caricaturas del neo-Nazi mezquino de Lars von Trier Dogville (2003), que son unos cobardes. Personajes en una película de George Stevens pueden ser reacios, pueden ser vacilantes, se encuentren en conflicto, pero no son cobardes.

Otra escena irónica en 'Gigante' cuenta con los niños mexicanos cantando el himno nacional durante el funeral de Angel, quien en contrapunto al hijo de Bick, su contemporáneo en edad, es de la tierra, a la finca nacida, así que hablar, pero carecen de esos derechos por el color de su piel. Angel había ido a la guerra, y regresa a la Texas en la que nació en un volquete, en un ataúd, descarnadamente recorta contra el cielo de Texas como la mansión Benedicto había estado antes en la película cuando Leslie primero había llegado a esta tierra sumida en la oscuridad. Ángel, que había experimentado la intolerancia racial debido a su nacimiento en la pobreza en el rancho de Benedicto, había luchado a Adolf Hitler. Él es el único héroe de 'Gigante', y su muerte sería vacía y sin sentido sin conversión reacio de Bick Benedict integración a través de puñetazos.

Los puntos de giro grandes cine norteamericano típicamente han implicado carrera. Las películas más grandes y más importantes de los primeros 50 años de la muerte del cine norteamericano con la raza: cabaña del tío Tom (1903), película importante de Edwin S. Porter antes de su Asalto y robo al tren (1903) y la primera película que característica Inter títulos; El nacimiento de una nación (1915), obra maestra de racistas de D.W. Griffith - que era una película de un libro de notorio pro-Ku Klux Klan llamado 'The Clansman'--en el que una América no sectaria está formada en la vinculación de los blancos del sur y del norte para luchar contra a los afroamericano freedman; El cantor de Jazz (1927), en el cual hijo de un cantor judío logra asimilación por ponerse cara pintada de negro y disenfranchising negros por librasdel día su música, que él deracinates, volviendo la espalda a su identidad judía casándose con un gentil; y Lo el viento se llevó (1939), la mejor película de Hollywood de todos los tiempos, en que el Klan no se muestra y nunca se utiliza la palabra ' n ', aunque toda la película transcurre en la inmediata posguerra Civil guerra sur, una obra maestra arrebatador, romántica en el que se efectúe una plutocracia reaccionaria, ultra racista a la flor de la caballería estadounidense y el romance.

Stevens 'Gigante' era una película importante de su tiempo, y sigue siendo una película de la primera fila, pero no fue la superproducción cultural de estas películas fueron. Sin embargo, más que cualquier otra película de Hollywood de su tiempo, aparte de Elia Kazan es bastante whitebread La barrera invisible (1947) y L'héritage de la silla de direcciones (1949), directamente el gran dilema americano, raza y sus consecuencias y no desde el conocido racista, blanco supremacista punto de vista que había sido parte de películas norteamericanas desde el principio. Esas actitudes habían tenido su origen en la psiquis estadounidense incluso antes de los días de Les explota d'Elaine (1914) Series (simultáneamente serializada en la supremacía blanca periódicos Hearst), en que muchos una jovencita fue amenazada de muerte o, peor aún, la pérdida de su maidenhead--por una persona siniestra de color (siempre interpretada por un hombre blanco en cara amarilla o marrón).

Una historia de 1934 'Fortune Magazine' sobre las perspectivas financieras rosadas tres de la Corporación Technicolor proceso de nuevos contenidos una metáfora sorprendente para un lector del siglo XXI: "- como el vaquero irrumpiendo en la cabina, al igual que la heroína ha lanzado la última maceta el mexicano - llegó el proceso tricolor al rescate." Fue este racismo endémico, aceptado que desafiaron a Stevens en 'Gigante', que está en la raíz de la filosofía expansionista de Estados Unidos del destino manifiesto, y que estaba en la raíz de gran parte de las economías meridionales y occidentales. Quienes murieron en la segunda guerra mundial tenían que haber muerto por algo, no sólo la continuación del statu quo. Fue un desafío directo y conocer al sistema por alguien que conocía a fondo y completamente se preocupó por América y los americanos.

George Stevens murió de un ataque al corazón el 08 de marzo de 1975, en Lancaster, California. Habría sido 100 años en 2004, y en ese año que celebraron con proyecciones por la Academia de Artes Cinematográficas y Ciencias, British londinense Film Institute y el Museo de arte moderno de Nueva York. Su legado vive en el trabajo como director de tipo dos veces ganador del Oscar mejor Director Clint Eastwood, particularmente en El jinete pálido (1985), que sufre de estar demasiado cerca un clon 'Shane' y más memorable en su obra maestra, pecado perdón (1992).