Carol Reed

Carol Reed era el segundo hijo del actor de teatro, profesor de teatro y fundador de empresario de la Real Escuela de arte dramático 'Sir Herbert Beerbohm Tree'. Reed fue uno de los seis hijos ilegítimos del árbol con Beatrice Mae Pinney, que árbol establecido en un segundo hogar aparte de su vida de casados. No hubo ninguna cicatriz social Reed creció en un ambiente bien educado, de clase media. Sus días de escuela pública estaban en la escuela del rey, Canterbury, y estaba encantado de seguir con la idea de seguir a papá y convertirse en actor. Su madre quería nada y lo enviaron a Massachusetts en 1922, donde su hermano mayor residía en--de todas las cosas, una granja de pollos.

Fue un desperdicio seis meses antes de que Reed fue en Inglaterra y se unió a una compañía de etapa de dama Sybil Thorndike, haciendo su debut en escena en 1924. Inmediatamente se reunió con escritor británico Edgar Wallace, que cobró en su constante salida de thrillers estableciendo una troupe de carretera para organizar las adaptaciones de ellos. Reed estaba en tres de estos, también trabaja como asistente del Gerente etapa. Wallace se convirtió en Presidente de la Corporación de cine de León británico recién formado en 1927, y Reed siguió para convertirse en su ayudante personal. Como tal, empezó a aprender el oficio de película asistiendo en la supervisión de las rodada adaptaciones de obras de Wallace. Esto fue esencialmente su trabajo del día. Por la noche continuó actuando y dirigiendo. Era algo de alivio cuando Wallace pasa en 1932; Reed decidió dejar el escenario para la película y se unió a estudios Ealing histórico como director de diálogo para asociados fotos hablando bajo Basil Dean.

Reed pasó de director de diálogo a director de segunda unidad y asistente de dirección en un tiempo récord, su primera dirección solitario siendo la aventura guardiamarina fácil (1935). Su esfuerzo posterior, Laburnum Grove (1936) y esto atrajeron elogios de un futuro colaborador, novelista/crítico de Graham Greene, quien dijo que una vez Reed ' obtiene el guión adecuado, [él] resultará mucho más eficiente. " Sin embargo, Reed soportarían el tipo del cine serio, de chapa de acero que caracteriza el cine británico 'B' hasta abiertamente dejó esto detrás con Sous le respeto des étoiles (1940), su segunda película con Michael Redgrave y su pour Hitchcock tren de nuit Munich (1940), un comedia-thriller con Rex Harrison. A menudo ha sido visto como una secuela de expreso de Hitchcock Alarma en el (1938) con los mismos guionistas y alivio de la comedia - Basil Radford y Naunton Wayne, quien sólo haría carrera como el grillo fanáticos Charters y Caldicott, de 'Desaparece'.

Los británicos le gustaba estas películas y, significativamente, también lo hizo Estados Unidos, donde Hollywood todavía se preguntaba si su patrocinio de la industria cinematográfica británica era la pena el riesgo de un pago por el público de Estados Unidos. Dean fue uno de varios productores de potencia aumentando en Gran Bretaña en la década de 1930. Otros nombres son más familiares: Alexander Korda y J. Arthur Rank. Para Reed, quien decidiría sabiamente para empezar a producir sus propias películas con el fin de tener más control sobre ellos, encontrar su nicho era todavía un reto en la década de 1940. Era muy consciente de que el director de cine conducido un esfuerzo de equipo--la suya en parte fue tarea de un coordinador, armonizando los talentos del equipo creativo. El modesto Reed admitiría su éxito siendo esta sociedad una y otra vez. Así que gravitaron hacia los mismos guionistas, directores de arte y cineastas como su lista de películas se extendieron.

Hubo más suspense y algunas bios históricos: Kipps (1941) con Redgrave y El vencedor de Napoleón (1942) con Robert Donat. Hizo servicio y tarifa de esfuerzo de guerra a través de la II guerra mundial, pero éstos eran más bandera wavers, para Reed aborda la psicología de la transición a la vida militar. Su documental angloamericano de combate (codirigida por Garson Kanin), La vraie gloire (1945), ganó el Oscar al mejor documental 1946. Con eso bajo su cinturón, Reed fue reconocido ahora como director más capaz de Gran Bretaña y podría escoger sus proyectos. También tuvo la influencia--y los fondos muy importantes - para hacer lo que pensaba era esencial para asegurar el realismo en una ubicación disparan, algo que falta en el trabajo de la película británica antes de Reed.

Larga es la noche (1947) con James Mason como un sicario de IRA en la carrera lo que hizo y fue el primer esfuerzo independiente de Reed, y había ido a rango para hacerlo. Demasiado pronto, sin embargo, esa organización comenzó a subyugar desea realizadores estudio necesidades y Reed hizo tal vez su decisión asociativo más importante y se unió a London Films de Korda. Aquí estaba una armonía muy importante--él y Korda pensado en la misma línea. Aunque Anthony Kimmins había escrito cuatro películas para Reed, era hora de Korda introducir al director a Graham Greene. Su asociación traería Reed sus grandes éxitos. El ídolo caído (1948) se basó en un cuento de Greene, con Ralph Richardson como hacer un-todo mayordomo jefe en una casa diplomática. Idolatrado por el solitario, pequeño hijo de su patrón, él llega a ser atrapado en un enlace con una mujer en el trabajo personal, que era mucho más joven que su esposa shrewish. Puede parecer lento a un público estadounidense, pero con el foco en vista con los ojos abiertos del niño de un entorno bastante sombrío, así como el drama para adultos a su alrededor, era innovador y un sólido éxito.

Lo que vino después fue un hito, la más conocido de las películas de Reed. El hombre tercer (1949) fue otra historia de Greene, moldeada en una joya de un guión cinematográfico por él, aunque Reed agregó algunos elementos significativos de los suyos. La película ha sido resumida y analizado sin cesar y, si define como noir internacional o la posguerra noir o simplemente noir, fue vanguardia noir e inolvidable. Esto era Reed en pleno control, bueno, casi... y el dinero provenía de otro productor de visión amplia, Selznick, junto con Korda. Tensión desarrollar en este mantener de esfuerzo un esfuerzo predominantemente anglosajona en esta colaboración anglo-estadounidense.

Hubo complicaciones, aunque. Para empezar, Korda, viejo amigo y alma gemela algo del director Orson Welles, de niño prodigio tenía un acuerdo de caballeros con el último de tres fotos, pero éstos no eran próximas. Korda podría ser tan evasivo como Welles era conocido por ser, y Welles había llegado a Europa para promover sus proyectos cinematográficos inevitable después de problemas en Hollywood. Siempre desesperado por dinero, Welles se vio obligado a tomar las partes actuar en Europa para aumentar su cuenta bancaria para financiar sus proyectos más personales. Así aceptó el papel del hombre de American flim-flam más grande que la vida que se volvió criminal, Harry Lime. El prolongado tiempo había pasado filmando las escenas de alcantarillado de Viena en el lugar y en el conjunto elaborado por ellos en los estudios Shepperton de Londres, exigió el más largo de los diez minutos, más o menos de tiempo en pantalla Welles. Aquí estaba una fuente potencial de intimidación directoral si alguna vez hubo uno. Welles tomó sobre sí mismo para dirigir Reed veterano cineasta Robert Krasker con su propia visión de algunas secuencias de alcantarilla en Londres (después de salir de la sesión de ubicación en Viena), utiliza muchas tomas. Supuestamente, Reed no usó imágenes de Welles, y de hecho lo que ahí se perdió convenientemente. Sin embargo, Ciudadano Kane sombra de (1941) era tan inminente que Welles recibió crédito por un montón de trabajo de la cámara, condiciones atmosféricas y las escenas de persecución. Se había referido a la película como 'mi película' adelante y había dicho que escribió toda su diálogo. Algunas del noria diálogo con su discurso famoso famoso 'reloj de cuco' (que Reed y Greene atribuyen a él) probablemente era la esencia de las contribuciones de Welles.

Los ángulos extravagantes de Krasker bajo dirección de Reed perfectamente enmarcan el diseñador ready-made-para-la-arte bombardeado de sombras y luces inhóspito y aisladas de la calle de Viena de la posguerra y su inframundo. Único en la historia del cine todo el puntaje (pero música enlatada café incidentales) era sólo la brillante Cítara de Anton Karas, añadiendo sus matices a cada transición dramática. Krasker ganó a un Oscar y fue nominada Karas.

Atención de Reed casting detallada también valió la pena, especialmente en fundición germanófona actores y jugadores de fondo. Selznick insistió en Joseph Cotten como Holly Martins, el protagonista sumida en la oscuridad, y su voz entrecortada y afilada y elije subterráneo eran perfectos para la parte. Reed había querido a James Stewart--definitivamente una percepción diferente que los estadounidenses de sus principales hombres. Selznick separaron con la caña en otros temas, sin embargo; Hubo una larga lista de razones para su reedición y cambiando algunos imprevistos para la versión americana más corta, basado en parte en los comentarios negativos de las respuestas de preestreno. Tal vez fue las interrupciones constantes desde el otro lado del Atlántico que impulsó Reed personalmente narrar la introducción describiendo Martins en la versión británica de la película (teniendo en cuenta los principios básicos de las películas noir, la estrella siempre jugado narrador para presentar la historia y voz sobre si procede). Selznick demostró--en este caso, de todos modos, para tener un mejor sentido directoral sustituyendo Cotten se presenta en el corte estadounidense. Se hizo mucho más sentido y era mucho más eficaz. Por otro lado, Selznick edición de las escenas de café central ferroviaria con Cotten y Alida Valli tenía problemas de continuidad.

No obstante, la película fue un éxito internacional, y todos los jugadores principales cosechó las recompensas. Reed no consiguió a un Oscar, pero ganó el gran premio de cine de Cannes. Greene fue lo suficientemente motivado para tomar la historia y expandirla en una novela superventas. Welles incluso, con el mínimo de tiempo en pantalla, pasaba la mayor parte de su tiempo en Europa tratando de obtener financiamiento para su proyecto mewestt, Otelo (1955)--ordeñar la película para todo valió la pena. Él no negó influencias directorial (aunque en una entrevista en 1984, lo hizo) y ni siquiera desarrollaron un programa de radio de Harry Lime a casa.

Sin embargo, la película tuvo sus detractores. Se llamaba demasiado melodramático y demasiado cínico. También fueron criticadas las escenas cortas de diálogo alemán sin traducir, pero que prestó a la atmósfera de confusión y desamparo de Martins atrapados en un entorno potencialmente peligroso cauteloso--algo inevitablemente el público era capaz de compartir. Fue todo muy irónico que Reed, hoy declarado por algunos como el mejor director vivo de la época, encontrado posteriormente su carrera en declive. De la producción total de Reed, porque se basaban en juegos, tres historias sobre 15 en novelas. Con menos de la mitad de ellos para ir, él debía ser decepcionado en su mayor parte. Su Se interpone un hombre (1953) con James Mason era demasiado de un reprise 'Tercer hombre', y El niño y el unicornio (1955) era demasiado sentimental.

Por ahora Reed fue buscado por los productores de Hollywood emprendedoras. Tenía, como generalmente lo hizo--el material para una primera película con dos populares actores estadounidenses, Burt Lancaster y Tony Curtis para Trapecio (1956). Sin embargo, sufrió un guión lento, igual que la llave La producción británica (1958), a pesar de otro elenco internacional. Las cosas finalmente recogieron con su incursión en otra película Greene-guión de su novela, con Alec Guinness en el plomo en la parodia de espía UK en-Nuestro hombre La Habana (1959) con otro elenco internacional ganadora.

Cuando Hollywood llamó una vez más, la oportunidad de una pieza tan británica de la historia como Rebelión a bordo (1962) con un elenco en su mayoría británico y Marlon Brando parecía consolidado para el éxito. Fue la segunda versión de la película producida por MGM (el primero es el Clark Gable starrer La tragedia de la Bounty (1935)). Sin embargo, historia de Brando de ser temperamental fue evidente en la localización en Tahití. Reed disparó una pequeña parte de la imagen pero finalmente dejó, tener más de su relleno del ego de la estrella (y, evidentemente, ser permitido demasiado control artístico por el estudio) y la película fue terminada por Lewis Milestone. Reed en última instancia podría ser etiquetado como un fracaso en la dirección de películas históricas, pero era una valoración injusta basada en el aspecto del éxito de la película al azar y esas fuerzas de la naturaleza como Brando, no conocimientos artísticos y técnicos.

La oportunidad de hacer otra película entraron otra vez con el dinero de Reed y americano formando la productora internacional clásicos para producir historia superventas de Irving Stone de Michelangelo y la pintura de la Capilla Sixtina, El tormento y el éxtasis (1965). Aquí es quizás el mejor ejemplo de Reed está dando poca para un esfuerzo realmente valiente en una epopeya histórica, artísticamente significativa y cultural porque era un 'fracaso' en la taquilla. La película filmada en Roma y sus alrededores, tuvo un excelente reparto encabezado por Charlton Heston haciendo su método mejor como el artista temperamental con Rex Harrison, un esfuerzo destacado como el Papa Julius II igualmente volátiles. Diane Cilento buen trabajo como la Contessina de Medici, con la siempre fiel Harry Andrews como rival de arquitecto Donato Bramante. La mayoría de los otros papeles fueron llenada por italianos doblados al español, pero todos parecen buenas.

Atención de Reed al detalle histórico proporcionado quizá la representación más exacta de principios del siglo XVI Italia--de vestuario y modales a la acción militar y armas (especialmente las armas de fuego)--jamás llevada a la pantalla. El guión de Philip Dunne fue enérgico y siempre entretenido en la batalla verbal entre el artista y su Pontífice. Todavía por la década de 1960 traje epopeyas iban de moda y más fracasos, como Cleopatra (1963) (hablar de agonía) a pesar de la abundancia de estrellas que incluyó a Harrison, tienden a propagarse como una enfermedad a aquellos pocos que vino después. A pesar de una campaña de distribución de alta potencia por Twentieth-Century Fox, esfuerzo ejemplar de Reed en última instancia será apreciada por los estudiosos de arte e historiadores--no las cosas de la mentalidad de dinero de Hollywood.

Para Reed el único triunfo restante era, de todas las cosas, un musical--su primer y solamente una vez más estuvo trabajando con niños. Howeer, la adaptación de la gran Charles Dickens novela Oliver (1968) en la pantalla fue una sensación con un script animado y la música en medio de un realista Londres del siglo XIX que dependía de las normas habituales de Reed. La película fue nominada a no menos de 11 Oscars, ganando cinco y dos de los grandes - mejor película y mejor Director. Reed había logrado finalmente ese pedacito de esquivo. Él nunca podría ser tan simplista estampado con una carrera desigual; Reed había mantenido siempre a la fórmula de un artesano precisa hacer películas.

Compañero director británico Michael Powell había dicho que Reed 'podría poner una película juntos como un relojero reúne un reloj'. Graham Greene, sin embargo, quien dio Reed tal vez el más importante galardón personal fue: 'el único director que conozco con esa calidez particular de compasión humana, el sentimiento extraordinario de la derecha se enfrentan en la parte derecha, la exactitud del corte y no menos importante el poder de simpatizar con preocupaciones del autor y una habilidad para guiarlo.'